VA • Crime & Jazz [Vintage Italian Soundtracks]

 

 

Attila Zoller • Jazz Soundtracks

 

Description from Sonorama Records / Bandcamp (by Ekkehart Fleischhammer):
Collection of previously unreleased soundtrack recordings, produced 1962-67 in a Berlin studio. Soulful jazz from the arthouse films of Hansjürgen Pohland - "The Bread of Our Early Years", "Cat and Mouse", "Tamara" - improvised directly in front of the screen by Hungarian-born guitarist Attila Zoller (1927-1998) and his musicians. Lost treasure by "one of the 10 most underrated jazz guitarists of all time" (JazzTimes). "Attila is one of my heroes" (Pat Metheny).

"No other musician has given the German jazz scene this much soul - not in the sense of black, American soul, but in the sense of European romance - as the Hungarian Attila Zoller. (...) through his own sensitivity that has to do with the music of his homecountry Hungary." (Joachim Ernst Berendt in "A window of jazz", Fischer Publishing 1978)

Few Europeans have influenced the international jazz scene as impressive as the Hungarian-born guitarist Attila Zoller. Born on 13.06.1927 in Visegrad, he was four years old when he got his first music lessons. From 1948 to 1954 Zoller lived in Vienna and worked regularly in the local jazz scene. Then he moved to Germany, worked with Jutta Hipp, Albert and Emil Mangelsdorff, Oscar Pettiford, Kenny Clarke, Bud Shank, Bob Cooper and Lee Konitz.

In 1959 he moved to the United States, where he studied with Jim Hall and visited the Lenox School of Jazz with Ornette Coleman and Don Cherry. That is where Zoller first was exposed to freer jazz. 1960 Chico Hamilton took him into his band. Then he played on the international jazz scene as a sideman of Stan Getz, Benny Goodman, Herbie Mann, Herbie Hancock, Sonny Rollins and Ron Carter. His album "Beyond The Horizon", released in 1965, became a milestone between Cool and free jazz playing. This was followed by famous LPs like "Zoller Koller Solal" or "Zo-Ko-Ma" (1968).

Regularly Attila Zoller also appeared in Europe, especially in Germany, where he was awarded with the "Golden Bear" at the Berlin Film Festival for his lyrical soundtrack to Heinrich Böll's "The Bread of Our Early Years", together with Joachim-Ernst Berendt (Director: Herbert Vesely, 1962, production: Hansjürgen Pohland). In 1966 he wrote the sensitive music for the film version of Günter Grass's novel "Cat and Mouse", directed by Hansjürgen Pohland, 1967 also for the crime film "Tamara", directed by Hansjürgen Pohland and based on a novel by Hansjörg Martin.

The music for Pohland's movies was played by Zoller and his sidemen directly in front of the screen and recorded by technicians. Before the tapes should disappear for almost five decades, Pohland used them for post-production. It is thanks to Berlin-based photographer, actor and jazz lover Jan George that the recordings are not lost. Although Pohland archived the tapes at first, they were later left as garbage on the road by transporters who moved his stuff from Berlin to Munich. There the reels were discovered by Pohland's friend Jan George, who kept the treasure in his crates until the digital transfer in 2012.

In 1972, Attila Zoller founded the renowned jazz school in Vermont, which he directed personally until his death on January 25th, 1998. He was the first jazz guitarist who investigated the field of "free" or "avantgarde playing" in a serious way. As a teacher and mentor for many guitar students (including Pat Metheny), it was important to him to preserve the art form of jazz guitar. In 1995 he received a Lifetime Achievement Award from the New England Foundation for the Arts. In 2002, the magazine "JazzTimes" listed him among the "10 most underrated jazz guitarists of all time".
https://sonoramarecords.bandcamp.com/album/jazz-soundtracks

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Descripción de Sonorama Records / Bandcamp (por Ekkehart Fleischhammer):
Colección de grabaciones de bandas sonoras inéditas hasta entonces, producidas entre 1962 y 1967 en un estudio de Berlín. Jazz lleno de alma de las películas de arte y ensayo de Hansjürgen Pohland — "El pan de los primeros años", "Gato y ratón", "Tamara" — improvisadas directamente frente a la pantalla por el guitarrista húngaro Attila Zoller (1927-1998) y sus músicos. Un tesoro perdido de "uno de los 10 guitarristas de jazz más subestimados de todos los tiempos" (JazzTimes). "Attila es uno de mis héroes" (Pat Metheny).

"Ningún otro músico ha dado a la escena de jazz alemana tanta alma — no en el sentido del soul negro americano, sino en el sentido del romanticismo europeo — como el húngaro Attila Zoller. (...) a través de su propia sensibilidad, que tiene que ver con la música de su país natal, Hungría." (Joachim Ernst Berendt en "Una ventana al jazz", Fischer Publishing 1978)

Pocos europeos han influenciado la escena internacional del jazz de manera tan impresionante como el guitarrista de origen húngaro Attila Zoller. Nacido el 13.06.1927 en Visegrád, tuvo sus primeras lecciones de música a los cuatro años. Desde 1948 hasta 1954 Zoller vivió en Viena y trabajó regularmente en la escena jazz local. Luego se trasladó a Alemania, donde trabajó con Jutta Hipp, Albert y Emil Mangelsdorff, Oscar Pettiford, Kenny Clarke, Bud Shank, Bob Cooper y Lee Konitz.

En 1959 se trasladó a Estados Unidos, donde estudió con Jim Hall y visitó la Lenox School of Jazz junto a Ornette Coleman y Don Cherry. Allí fue donde Zoller tuvo su primer contacto con el jazz más libre. En 1960 Chico Hamilton lo incorporó a su banda. Luego tocó en la escena internacional del jazz como sideman de Stan Getz, Benny Goodman, Herbie Mann, Herbie Hancock, Sonny Rollins y Ron Carter. Su álbum "Beyond The Horizon", publicado en 1965, se convirtió en un hito entre el Cool y el free jazz. Le siguieron famosos LPs como "Zoller Koller Solal" o "Zo-Ko-Ma" (1968).

Attila Zoller aparecía regularmente también en Europa, especialmente en Alemania, donde fue galardonado con el "Oso de Oro" del Festival de Cine de Berlín por su lírica banda sonora para "El pan de los primeros años" de Heinrich Böll, junto a Joachim-Ernst Berendt (Director: Herbert Vesely, 1962, producción: Hansjürgen Pohland). En 1966 escribió la sensible música para la adaptación cinematográfica de la novela de Günter Grass "Gato y ratón", dirigida por Hansjürgen Pohland, y en 1967 también para el thriller "Tamara", igualmente dirigido por Pohland.

La música para las películas de Pohland fue interpretada por Zoller y sus sidemen directamente frente a la pantalla, y grabada por técnicos. Antes de que las cintas estuvieran a punto de desaparecer durante casi cinco décadas, Pohland las utilizó para la posproducción. Es gracias al fotógrafo, actor y amante del jazz berlinés Jan George que las grabaciones no se perdieron. Aunque Pohland archivó las cintas en un primer momento, más tarde fueron abandonadas como basura en la carretera por los transportistas que trasladaban sus cosas de Berlín a Múnich. Allí los carretes fueron descubiertos por el amigo de Pohland, Jan George, quien guardó el tesoro en sus cajas hasta la transferencia digital en 2012.

En 1972, Attila Zoller fundó la reconocida escuela de jazz en Vermont, que dirigió personalmente hasta su muerte el 25 de enero de 1998. Fue el primer guitarrista de jazz que investigó el campo del "free" o "avantgarde playing" de manera seria. Como maestro y mentor de muchos estudiantes de guitarra (incluyendo a Pat Metheny), le importaba preservar el arte del jazz guitar. En 1995 recibió un Premio a la Trayectoria de la New England Foundation for the Arts. En 2002, la revista "JazzTimes" lo incluyó entre los "10 guitarristas de jazz más subestimados de todos los tiempos".
https://sonoramarecords.bandcamp.com/album/jazz-soundtracks

Laurie Johnson & The London Studio Orchestra • The Avengers & The New Avengers & The Professionals

 

Laurie Johnson was born in Hampstead, London in 1927, studied at the Royal Gollege of Music and later taught there for a time. In 1945 he joined the Coldstream Guards, serving for four years, subsequently entering the film world in 1956. He has composed scores for more than 35 feature fiíms including Tiger Boy, Hot Millions, The Belstone Fox, The Maids, First Men in the Moon, Hedda and Dr Strangelove. Particularly active in composing scores for televisión, including The Avengers, The New Avengers and The Professionals he has written music and themes for over three hundred TV films and shows.

Laurie Johnson has also experienced considerable success in the theatreand in 1960hisscore for the stage musical Lock Up Your Daughters, with lyrics by Lionel Bart, ran for over four years in London, starring Bernard Miles and Hy Hazel. He also wrote the music for The Four Musketeers which starred Harry Secombe and ran at the Drury Lañe Theatre for almost two years.

His talent also extends to concert music and his Synthesis for combined symphony and jazz orchestra was amongst the year’s ten best records when issued in 1970. He has also written a tone poem for orchestra and narrator, the Conquistadors, a cantata Hiawatha and music for military band.

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Laurie Johnson nació en Hampstead, Londres, en 1927, estudió en el Royal Gollege of Music y luego enseñó allí por un tiempo. En 1945 se unió a la Guardia Coldstream, sirviendo durante cuatro años, y posteriormente ingresó al mundo del cine en 1956. Ha compuesto partituras para más de 35 películas, incluyendo Tiger Boy, Hot Millions, The Belstone Fox, The Maids, First Men in the Moon. , Hedda y el Dr. Strangelove. Particularmente activo en la composición de partituras para televisión, incluyendo The Avengers, The New Avengers y The Professionals, ha escrito música y temas para más de trescientas películas y programas de televisión.

Laurie Johnson también ha experimentado un éxito considerable en la proyección en 1960 del primer momento para el escenario musical Lock Up Your Daughters, con letras de Lionel Bart, durante más de cuatro años en Londres, protagonizada por Bernard Miles y Hy Hazel. También escribió la música para The Four Musketeers, protagonizada por Harry Secombe y que estuvo en el Drury Lañe Theatre durante casi dos años.

Su talento también se extiende a la música de concierto y su Síntesis para orquesta combinada de sinfonía y jazz estuvo entre los diez mejores discos del año cuando se emitió en 1970. También ha escrito un poema de tono para orquesta y narrador, los Conquistadores, una cantata Hiawatha y música para bandas militares.

Warren Barker & His Orchestra • Waltzing Down Broadway

 

Artist Biography by Bruce Eder
Warren Barker was born in Oakland, CA, and attended U.C.L.A. as a music major. His primary instrument was the saxophone, and he continued his studies in composition with Mario Castelnuevo-Tedesco and Henri Pensis during his early twenties and broke into the profession when he was hired by NBC as the chief arranger for the radio network's principal music showcase, The Railroad Hour. Barker was very busy during the late '50s and early '60s as an arranger and conductor of pop-instrumental music, some of which has re-emerged on CDs in recent years in various "Bachelor's Den"-theme compilations. He subsequently worked for Warner Bros., 20th Century-Fox, Columbia Pictures, and MGM as a composer, arranger, and conductor, principally for their television divisions. At the end of the 1950s, he served as musical director and conductor on the soundtrack album 77 Sunset Strip, one of the better pop-jazz releases to come out of television. Barker later contributed to the scoring, arranging, and conducting of more than 30 prime time television series, most notably (and successfully) the 1960s comedy series Bewitched. He won an Emmy Award in 1970 for his music for the offbeat James Thurber-inspired series My World and Welcome to It. His career in film has been more scattershot and interesting -- during the early '60s, he composed the music for the groundbreaking film Strange Lovers, which dealt with the then-tabu subject of homosexuality. At MGM in the mid-'60s, he also wrote the score for the low-budget movie Zebra in the Kitchen, which was marginally notable in rock circles for including a totally uncharacteristic recording by the Standells of the title song. And at Fox he was one of the arrangers who worked on the blockbuster musical Hello Dolly. He wrote song arrangements for Frank Sinatra and has also composed pieces for specific occasions, principally in the idiom of band music. He was still active at the outset of the 21st century, and his arrangements of various Broadway and film scores continue to sell.
https://www.allmusic.com/artist/warren-barker-mn0000194805/biography

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Biografía del artista por Bruce Eder
Warren Barker nació en Oakland, CA, y asistió a la U.C.L.A. como estudiante de música. Su instrumento principal fue el saxofón, y continuó sus estudios de composición con Mario Castelnuevo-Tedesco y Henri Pensis durante sus veinte años de edad e irrumpió en la profesión cuando fue contratado por la NBC como arreglista jefe de la principal muestra de música de la cadena de radio, The Railroad Hour. Barker estuvo muy ocupado a finales de los años 50 y principios de los 60 como arreglador y director de música instrumental pop, algunos de los cuales han resurgido en los últimos años en varios recopilatorios temáticos de "Bachelor's Den". Posteriormente trabajó para Warner Bros., 20th Century-Fox, Columbia Pictures y MGM como compositor, arreglista y director, principalmente para sus divisiones de televisión. A finales de los años 50, se desempeñó como director musical y director de la banda sonora del álbum 77 Sunset Strip, uno de los mejores lanzamientos de pop-jazz que ha salido de la televisión. Más tarde, Barker contribuyó a la composición, arreglo y dirección de más de 30 series de televisión en horario de máxima audiencia, entre las que destaca (y con éxito) la serie de comedias de los años sesenta Bewitched. Ganó un premio Emmy en 1970 por su música para la extraordinaria serie inspirada en James Thurber My World and Welcome to It. Su carrera en el cine ha sido más dispersa e interesante: a principios de los años 60, compuso la música para la innovadora película Strange Lovers, que trataba sobre el tema de la homosexualidad, entonces tabú. En MGM a mediados de los 60, también escribió la partitura para la película de bajo presupuesto Zebra in the Kitchen, que fue marginalmente notable en círculos de rock por incluir una grabación totalmente inusual de la canción del título por parte de los Standells. Y en Fox fue uno de los arreglistas que trabajó en el exitoso musical Hello Dolly. Escribió arreglos de canciones para Frank Sinatra y también ha compuesto piezas para ocasiones específicas, principalmente en el idioma de la música de la banda. Todavía estaba activo a principios del siglo XXI, y sus arreglos de varias partituras de Broadway y cine siguen vendiéndose.
https://www.allmusic.com/artist/warren-barker-mn0000194805/biography

Shelly Manne & His Friends • My Fair Lady

 

Henry Mancini • The Jazz Sound From Peter Gunn

The music in this album offers an excellent sampling of the sounds you're likely to hear any Monday eve when Peter Gunn swings into action on NBC-TV. The musicians are the same jazzmen who are heard to outstanding advantage in all the programs. Here are some of them: Drummer Jack Sperling and bassist Rolly Bundock state the show's forceful opening motif, Fallout! The raw-sounding trumpet belongs to Pete Candoli, a veteran of the Woody Herman and Stan Kenton bands. Dreamsville, which might be subtitled "a love refrain for hipsters," features a moving alto sax solo by Ted Nash; his brother Dick can be heard dueling with fellow trombonist Milt Bernhart on Session at Pete's Pad. Saxist Ronnie Lang, who, in common with most of the musicians here, is a graduate of the Les Brown band, wields a bulging baritone on Sorta Blue. Other soloists at Mother's, the nitery where Peter Gunn hangs his Brooks Brothers jacket, are vibist Larry Bunker and pianist Johnny T. Williams.
This music is Peter Gunn's kind of jazz. I think you'll find that it's your kind, too."
- Blake Edwards

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La música de este álbum ofrece una excelente muestra de los sonidos que es probable que escuches cualquier lunes por la noche cuando Peter Gunn entra en acción en NBC-TV. Los músicos son los mismos jazzistas que se escuchan con gran ventaja en todos los programas. Aquí están algunos de ellos: El baterista Jack Sperling y el bajista Rolly Bundock declaran el poderoso motivo de apertura del programa, Fallout! La trompeta de sonido crudo pertenece a Pete Candoli, un veterano de las bandas de Woody Herman y Stan Kenton. Dreamsville, que podría subtitularse "un estribillo de amor para los hipsters", presenta un conmovedor solo de saxo alto de Ted Nash; su hermano Dick puede oírse en duelo con su colega trombonista Milt Bernhart en Session at Pete's Pad. El saxofonista Ronnie Lang, que, como la mayoría de los músicos de aquí, es graduado de la banda Les Brown, esgrime un abultado barítono en Sorta Blue. Otros solistas en Mother's, el lugar donde Peter Gunn cuelga su chaqueta de los Brooks Brothers, son el vibrafonista Larry Bunker y el pianista Johnny T. Williams.

Esta música es el tipo de jazz de Peter Gunn. Creo que descubrirás que también es tu tipo".
- Blake Edwards

VA • Jazz on Film - Crime Jazz!

 

Crime jazz captured the mood not only of our post-war cities, but of a character as distinctly American as the cowboy – that soulful, solitary seeker of justice, the private eye.

So yet another sublime Moochin’ collection celebrates these great T.V shows on 8 CD’s… with scores including The Naked City, Bourbon Street Beat, Richard Diamond, Checkmate, The Untouchables, remastered and available here for the first time ever on CD… With legends such as Nelson Riddle, Henry Mancini, Stanley Wilson and Warren Barker at the helm, you’re in for one great journey through the murderous streets of Crime Jazz!

Contains complete scores from the followng films:
-77 Sunset Strip - Warren Barker
-Hawaiian Eye - Warren Barker
-M~Squad - Stanley Wilson
-Staccato - Elmer Bernstein
-Mikey Spillanes Mike Hammer - Stan Purdy Orchestra
-Music From Mike Hammer - Skip Martin
-Checkmate - Johnny Williams
-Shotgun Slade - Stanley Wilson Orchestra
-Peter Gunn - Henry Mancini
-Mr Lucky & Mr Lucky Goes Latin - Henry Mancini
-The Naked City - George Dunning
-The Untouchables - Nelson Riddle
-Richard Diamond - Pete Rugolo
-Bourbon St Beat - Don Ralke
https://www.jazzmessengers.com/es/68281/various-artists/jazz-on-film-crime-jazz-

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El jazz policíaco capturó el estado de ánimo no sólo de nuestras ciudades de posguerra, sino de un personaje tan claramente americano como el vaquero: ese buscador de justicia solitario y con alma, el detective privado.

Así que otra sublime colección de Moochin' celebra estos grandes programas de televisión en 8 CDs... con partituras que incluyen The Naked City, Bourbon Street Beat, Richard Diamond, Checkmate, The Untouchables, remasterizadas y disponibles aquí por primera vez en CD... Con leyendas como Nelson Riddle, Henry Mancini, Stanley Wilson y Warren Barker al mando, ¡te espera un gran viaje por las calles asesinas del Crime Jazz!

Contiene las bandas sonoras completas de las siguientes películas:
-77 Sunset Strip - Warren Barker
-Hawaiian Eye - Warren Barker
-M~Squad - Stanley Wilson
-Staccato - Elmer Bernstein
-Mikey Spillanes Mike Hammer - Stan Purdy Orchestra
-Música de Mike Hammer - Skip Martin
-Checkmate - Johnny Williams
-Shotgun Slade - Orquesta de Stanley Wilson
-Peter Gunn - Henry Mancini
-Mr Lucky & Mr Lucky Goes Latin - Henry Mancini
-The Naked City - George Dunning
-The Untouchables - Nelson Riddle
-Richard Diamond - Pete Rugolo
-Bourbon St Beat - Don Ralke
https://www.jazzmessengers.com/es/68281/various-artists/jazz-on-film-crime-jazz-

Alan Hawkshaw • Legends Of Library

 

Alan Hawkshaw (born William Alan Hawkshaw, 27 March 1937, Leeds, West Yorkshire) is a British composer and performer, particularly of themes for movies and television programmes. Hawkshaw worked extensively for the KPM production music company in the 1960s and 1970s, composing and recording many stock tracks that have been used extensively in film and TV.

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Alan Hawkshaw (nacido William Alan Hawkshaw, 27 de marzo de 1937, Leeds, West Yorkshire) es un compositor e intérprete británico, especialmente de temas para películas y programas de televisión. Hawkshaw trabajó extensamente para la compañía de música de producción KPM en los años sesenta y setenta, componiendo y grabando muchas canciones de archivo que han sido utilizadas ampliamente en el cine y la televisión.

Tubby Hayes Orchestra • Tubbs' Tours

 

Artist Biography by Thom Jurek

Nicknamed "The Little Giant", English saxophonist Tubby Hayes was an excellent hard bop and modal stylist whose solos were dynamic, expertly articulated, and intricately constructed, as well as expressive and imaginative. In addition to saxes and woodwinds, he was also an highly skilled arranger, composer, and an accomplished vibraphonist. He was a dazzling, highly acrobatic player who drew as much criticism for his virtuosic flurries of notes as praise. A ubiquitous presence on the 1960s and early-'70s British jazz scene, he died at age 38 in 1973. His influence, now undisputed, has made him the standard bearer for British jazz during the 20th century. His traveling forays into America may not have registered in the jazz press as much, but he was revered by virtually every jazzman on the other side of the Atlantic who heard or played with him: Among them Quincy Jones, Ella Fitzgerald, Charles Mingus, and Duke Ellington. He was deeply admired by Miles Davis, Dexter Gordon, Cannonball Adderley, Art Pepper, and Sonny Rollins. Hayes, along with saxophonist Ronnie Scott, co-led the Jazz Couriers during the late '50s. The saxists and trumpeter Jimmy Deuchar singlehandedly changed the face of England's jazz landscape which, at that time, had consisted primarily of dance bands from the '30s on. After the split, Scott started his legendary club -- opening night featured Hayes' new band -- and Tubbs established himself as a prolific musician; he led quartets, quintets, and sextets, as well as big bands. He had his own television series and amassed a vast canon of albums from 1955 onward for a slew of labels including Tempo, Fontana, Spotlite, Epic, Smash, and Mole.

Hayes was born Edward Brian Hayes in London. His father was a BBC studio violinist and traveling dance band leader. Wishing to instill his love for music in his son, he gave him violin lessons from an early age. By the age of ten, Hayes was playing the piano, and he started on the tenor sax at 11. The youngster fell in love with jazz thanks to his dad's record collection and European radio that was playing recordings by bebop pioneers such as Dizzy Gillespie and Charlie Parker. After playing with various semi-professional bands around London for a time, Hayes left school and started playing professionally at age 15. In 1951, at the of 16, Hayes joined Kenny Baker's sextet, and subsequently worked with bandleaders such as Vic Lewis and Jack Parnell. He was already a sophisticated arranger, and penned charts for the bands he played in as a teen. In 1955, Hayes formed his own octet, with which he toured the U.K. for 18 months. He took up vibraphone in 1957, having tried Victor Feldman's instrument during a gig. Although the vibes were a key instrument in his arsenal, he eventually tired of playing them. From 1957 to 1959, he joined Ronnie Scott in co-leading the Jazz Couriers quintet. They became the hottest property on the British jazz scene at the time and recorded for the Tempo label. Despite their relatively short tenure, their influence is still felt in the 21st century.

After the Jazz Couriers split, Hayes formed his own quartet, and toured Germany. In 1961 he received an invitation to America to play the Half Note Club in New York City as part of a Musician's Union exchange that brought American saxophonist Zoot Sims to England to play Scott's club. In America, Hayes recorded Tubbs in NY with Clark Terry, Eddie Costa, and Horace Parlan. He returned in 1962 and cut Return Visit with James Moody, (pre-Rahsaan) Roland Kirk, Walter Bishop, Jr., Sam Jones, and Louis Hayes. He played at the Half Note again in 1964, and at the Boston Jazz Workshop the same year. He traveled to the West Coast for the first time in 1965, playing a multi-night gig at drummer Shelly Manne's Manne-Hole in Los Angeles.

When at home in London, Hayes was a hotly debated commodity among critics, but was beloved by the record-buying public. Given his ubiquity in concert halls on tour and on television -- he hosted three different television programs between 1961 and 1963 -- his biographer Simon Spillet wrote: "Tubby faced almost as much criticism within the press as he did praise, most of it centered upon his technical ability…both a yardstick against which to measure others and, all too often, simply a club with which to beat him….He also suffered from something we appear to have somewhat of a gift for in this country: taking someone apart for doing nothing more than being superbly accomplished at what they do."

In addition to television, Hayes also worked in film and on radio, penning and arranging scores, commercials, and songs. In 1964, he subbed for Paul Gonsalves in Duke Ellington's orchestra and in 1965 recorded with the saxophonist on Just Friends, and later Change of Setting.

Hayes appeared in films too, including All Night Long with Charles Mingus and Dave Brubeck, with his own group in A King in New York starring Charlie Chaplin (1957), and The Beauty Jungle (1964). He also a regular at European jazz festivals form the U.K. to Spain to Italy, Vienna, and Berlin. He appeared on a number of soundtracks at in 1965, notably on Lalo Schifrin's score for The Liquidator, and appeared with his quintet in the anthology film Dr. Terror's House of Horrors. His section, "Voodoo," found his band performing behind actor Roy Castle, who played a jazz musician. A three-track EP from the soundtrack titled Voodoo Session was released by Trunk Records in 2009.

Though he was already a prolific recording artist under his own name, Hayes also found time to guest on recordings by other British jazz musicians, including the Harry South Big Band, the Ian Hamer Sextet, and Ted Heath’s Orchestra. Among his many studio credits, Hayes led the brass section on the sessions for Music in a Doll's House -- the 1967 debut album by Family -- that also featured string and brass charts by a young Mike Batt, who lionized Hayes. Batt credited Hayes with saving his brass arrangement on the track "Old Songs for New Songs." When the arranger realized he had inadvertently notated parts in the wrong key, Hayes and his colleagues, realizing his mistake, discreetly transposed their parts by ear so that they would match the backing track. That same year, Hayes' quartet released what is arguably (yet widely) regarded as his finest offering, the album Mexican Green for Fontana, which was issued in 1968. Hayes was lucky in continuing to record and tour, but times were tough. Given the rise of commercial rock & roll, jazz became marginalized in Great Britain and, a little later, in the U.S. as well. What was thought to be his final recording session for the year was with his big-band's The Orchestra project -- a more commercial outing aimed at pop and easy listening audiences; it featured sophisticated charts for covers of hit songs by the Beatles, Burt Bacharach, Nancy Sinatra, Fifth Dimension, and others. Released by Fontana as catalog number 6309 002 in 1970, it fared poorly. Hayes, a longtime drug addict and alcoholic, began to experience severe health issues. He underwent open-heart surgery and a long period of recuperation. He started performing again in 1971, and in 1972 toured Norway and Sweden. In 1973, after suffering faltering health again, he underwent another heart surgery but expired on the operating table.

In all, Hayes' discography as a leader and/or sideman encompasses more than 400 albums. Unfortunately, many of those recordings -- up to 100 -- didn't appear until long after his passing. In 2017, Spillett's acclaimed The Long Shadow of the Little Giant: The Life, Work and Legacy of Tubby Hayes was published by Equinox in the U.K. and received good reviews on both sides of the Atlantic. In 2019, two major events took place that further expanded the reach and influence of Hayes' legend. The first was the appearance of the documentary feature film A Man in a Hurry directed by Lee Cogswell and written by Mark Baxter. The second was the release of a holy grail of jazz, Hayes' album Grits, Beans and Greens: The Lost Fontana Studio Session 1969. The rediscovery came about when late jazz writer and Polygram catalog manager Richard Cook spotted entries in Hayes' diary that detailed several recording sessions. He found the 1969 tapes in the archive. Cook left the company in 1997, and it was only in 2018 that their existence resurfaced. Decca/Universal hired high-end vinyl specialists Gearbox Studios to master the sessions for the first time. In July 2019, before the film's commercial appearance, Gearbox issued the set in various configurations: As a 180-gram vinyl edition created by using a '60s-era Studer C37 tape machine and a Scully Lathe (the very same model used by jazz engineer legend Rudy Van Gelder), and as single- and double-compact disc editions. In an interview Spillett said "It really is a lost masterpiece, make no mistake....It's hard to believe that this music has lain unheard for 50 years, it's so fresh. There's no doubt in my mind that had they been issued at the time, these recordings would have been seen as Tubby's last great album." [In September 2019, Decca issued the 12-disc box set The Complete Fontana Albums 1960-1969. The LP version contained 11 LPs. The recordings were remastered at Gearbox Records' studios, directly from the original tapes, using a Studer C37 ¼-inch stereo tape machine, equalized through an all-valve mastering deck built for Decca studios during the late 1950s.]

https://www.allmusic.com/artist/tubby-hayes-mn0000842398/biography

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Biografía del artista por Thom Jurek

Apodado "The Little Giant", el saxofonista inglés Tubby Hayes era un excelente hard bop y estilista modal cuyos solos eran dinámicos, expertamente articulados y construidos de manera intrincada, así como expresivos e imaginativos. Además de saxos y vientos de madera, también fue un arreglador, compositor y vibrafonista muy hábil. Era un jugador deslumbrante y muy acrobático que atrajo tanto críticas por sus virtuosas ráfagas de notas como elogios. Una presencia ubicua en la escena del jazz británico de los años sesenta y principios de los setenta, murió a los 38 años en 1973. Su influencia, ahora indiscutible, lo ha convertido en el abanderado del jazz británico durante el siglo XX. Sus incursiones en Estados Unidos tal vez no se hayan registrado en la prensa de jazz, pero fue venerado por prácticamente todos los jazzistas del otro lado del Atlántico que lo escucharon o tocaron con él: Entre ellos Quincy Jones, Ella Fitzgerald, Charles Mingus y Duke Ellington. Fue profundamente admirado por Miles Davis, Dexter Gordon, Cannonball Adderley, Art Pepper y Sonny Rollins. Hayes, junto con el saxofonista Ronnie Scott, co-lideró los Jazz Couriers a finales de los años 50. Los saxistas y el trompetista Jimmy Deuchar cambiaron por sí solos la faz del paisaje del jazz inglés que, en aquel entonces, estaba formado principalmente por bandas de baile de los años 30 en adelante. Después de la separación, Scott comenzó su legendario club -- la noche del estreno presentó la nueva banda de Hayes -- y Tubbs se estableció como un músico prolífico; dirigió cuartetos, quintetos y sextetos, así como grandes bandas. Tenía su propia serie de televisión y acumuló un vasto canon de álbumes desde 1955 en adelante para una gran cantidad de sellos discográficos, incluyendo Tempo, Fontana, Spotlite, Epic, Smash y Mole.

Hayes nació como Edward Brian Hayes en Londres. Su padre era un violinista de estudio de la BBC y líder de una banda de baile ambulante. Deseoso de inculcar en su hijo el amor por la música, le dio clases de violín desde muy temprana edad. A la edad de diez años, Hayes tocaba el piano y comenzó a tocar el saxo tenor a los 11 años. El joven se enamoró del jazz gracias a la colección de discos de su padre y a la radio europea que tocaba grabaciones de pioneros del bebop como Dizzy Gillespie y Charlie Parker. Después de tocar con varias bandas semiprofesionales en Londres durante un tiempo, Hayes dejó la escuela y comenzó a tocar profesionalmente a los 15 años. En 1951, a los 16 años, Hayes se unió al sexteto de Kenny Baker, y posteriormente trabajó con directores de orquesta como Vic Lewis y Jack Parnell. Ya era un sofisticado arreglista, y componía las listas de éxitos de las bandas en las que tocaba en su adolescencia. En 1955, Hayes formó su propio octeto, con el que recorrió el Reino Unido durante 18 meses. Empezó a trabajar con el vibráfono en 1957, después de haber probado el instrumento de Victor Feldman durante un concierto. Aunque las vibraciones eran un instrumento clave en su arsenal, finalmente se cansó de tocarlas. De 1957 a 1959, se unió a Ronnie Scott en la co-liderazgo del quinteto Jazz Couriers. Se convirtieron en la propiedad más caliente de la escena jazzística británica de la época y grabaron para el sello Tempo. A pesar de su relativamente corta permanencia en el cargo, su influencia todavía se siente en el siglo XXI.

Después de la separación de Jazz Couriers, Hayes formó su propio cuarteto y realizó una gira por Alemania. En 1961 recibió una invitación a Estados Unidos para tocar en el Half Note Club de la ciudad de Nueva York como parte de un intercambio de la Unión de Músicos que llevó a la saxofonista americana Zoot Sims a Inglaterra para tocar en el club de Scott. En América, Hayes grabó Tubbs en Nueva York con Clark Terry, Eddie Costa y Horace Parlan. Regresó en 1962 y cortó "Return Visit" con James Moody, (antes de Rahsaan) Roland Kirk, Walter Bishop, Jr, Sam Jones y Louis Hayes. Tocó de nuevo en el Half Note en 1964, y en el Boston Jazz Workshop ese mismo año. Viajó a la Costa Oeste por primera vez en 1965, tocando en un concierto de varias noches en el Manne-Hole del baterista Shelly Manne en Los Ángeles.

Cuando estaba en su casa en Londres, Hayes era una mercancía muy debatida entre los críticos, pero era muy querida por el público que compraba discos. Dada su ubicuidad en las salas de conciertos durante las giras y en la televisión -organizó tres programas de televisión diferentes entre 1961 y 1963-, su biógrafo Simon Spillet escribió: "Tubby enfrentó casi tantas críticas en la prensa como elogios, la mayoría de ellas centradas en su habilidad técnica... tanto un criterio con el que medir a los demás como, con demasiada frecuencia, un simple palo con el que derrotarlo....".También sufrió de algo para lo que parece que tenemos un don en este país: desarmar a alguien por no hacer nada más que ser magníficamente realizado en lo que hace".

Además de la televisión, Hayes también trabajó en cine y radio, escribiendo y arreglando partituras, comerciales y canciones. En 1964, sustituyó a Paul Gonsalves en la orquesta de Duke Ellington y en 1965 grabó con el saxofonista en Just Friends, y más tarde en Change of Setting.

Hayes también apareció en películas, incluyendo All Night Long con Charles Mingus y Dave Brubeck, con su propio grupo en A King in New York protagonizado por Charlie Chaplin (1957), y The Beauty Jungle (1964). También es habitual en festivales de jazz europeos desde el Reino Unido hasta España, pasando por Italia, Viena y Berlín. Apareció en varias bandas sonoras en 1965, especialmente en la partitura de Lalo Schifrin para The Liquidator, y apareció con su quinteto en la antología de la película Dr. Terror's House of Horrors. Su sección, "Voodoo", encontró a su banda actuando detrás del actor Roy Castle, que interpretó a un músico de jazz. Un EP de tres bandas sonoras titulado Voodoo Session fue lanzado por Trunk Records en 2009.

Aunque ya era un artista prolífico bajo su propio nombre, Hayes también encontró tiempo para ser invitado a grabaciones de otros músicos de jazz británicos, incluyendo la Harry South Big Band, el Ian Hamer Sextet y la Orquesta de Ted Heath. Entre sus muchos créditos de estudio, Hayes dirigió la sección de metales de las sesiones de Music in a Doll's House, el álbum debut de 1967 de Family, que también incluía cartas de cuerdas y metales de un joven Mike Batt, que leonó a Hayes. Batt le dio crédito a Hayes por guardar su arreglo de latón en el tema "Old Songs for New Songs". Cuando el arreglista se dio cuenta de que había anotado sin querer las partes en la clave equivocada, Hayes y sus colegas, al darse cuenta de su error, transpusieron discretamente sus partes por la oreja para que coincidieran con la pista de acompañamiento. Ese mismo año, el cuarteto de Hayes lanzó lo que se puede decir (aunque ampliamente) considera su mejor oferta, el álbum Mexican Green for Fontana, que se publicó en 1968. Hayes tuvo la suerte de seguir grabando y haciendo giras, pero los tiempos eran difíciles. Dado el auge del rock & roll comercial, el jazz quedó marginado en Gran Bretaña y, un poco más tarde, también en Estados Unidos. Lo que se pensó que sería su última sesión de grabación del año fue con el proyecto The Orchestra de su big-band -- una salida más comercial dirigida a audiencias pop y de fácil escucha; incluía sofisticadas listas de éxitos de los Beatles, Burt Bacharach, Nancy Sinatra, Fifth Dimension, y otros. Lanzado por Fontana con el número de catálogo 6309 002 en 1970, le fue mal. Hayes, una antigua drogadicta y alcohólica, comenzó a experimentar graves problemas de salud. Se sometió a una cirugía a corazón abierto y a un largo período de recuperación. Comenzó a actuar de nuevo en 1971, y en 1972 realizó giras por Noruega y Suecia. En 1973, después de sufrir de nuevo una mala salud, se sometió a otra cirugía cardíaca pero expiró en la mesa de operaciones.

En total, la discografía de Hayes como líder y/o sideman abarca más de 400 álbumes. Desafortunadamente, muchas de esas grabaciones, hasta 100, no aparecieron hasta mucho después de su muerte. En 2017, Spillett aclamó La larga sombra del pequeño gigante: The Life, Work and Legacy of Tubby Hayes fue publicado por Equinox en el Reino Unido y recibió buenas críticas a ambos lados del Atlántico. En 2019, se produjeron dos acontecimientos importantes que ampliaron aún más el alcance y la influencia de la leyenda de Hayes. La primera fue la aparición del documental A Man in a Hurry, dirigido por Lee Cogswell y escrito por Mark Baxter. El segundo fue el lanzamiento de un santo grial del jazz, el álbum de Hayes Grits, Beans and Greens: The Lost Fontana Studio Session 1969. El redescubrimiento se produjo cuando el difunto escritor de jazz y director del catálogo de Polygram, Richard Cook, descubrió en el diario de Hayes una serie de entradas que detallaban varias sesiones de grabación. Encontró las cintas de 1969 en el archivo. Cook dejó la empresa en 1997, y sólo en 2018 resurgió su existencia. Decca/Universal contrató a los especialistas en vinilos de alta calidad de Gearbox Studios para dominar las sesiones por primera vez. En julio de 2019, antes de la aparición comercial de la película, Gearbox emitió el set en varias configuraciones: Como una edición de vinilo de 180 gramos creada utilizando una máquina de cinta Studer C37 de los años 60 y un Torno Scully (el mismo modelo utilizado por la leyenda del ingeniero de jazz Rudy Van Gelder), y como ediciones de discos compactos simples y dobles. En una entrevista Spillett dijo "Es realmente una obra maestra perdida, no se equivoque....Es difícil creer que esta música ha permanecido sin escuchar durante 50 años, es tan fresca. No tengo ninguna duda de que si se hubieran publicado en ese momento, estas grabaciones habrían sido vistas como el último gran álbum de Tubby". En septiembre de 2019, Decca publicó la caja de 12 discos The Complete Fontana Albums 1960-1969. La versión LP contenía 11 LPs. Las grabaciones fueron remasterizadas en los estudios de Gearbox Records, directamente de las cintas originales, usando una máquina de cinta estéreo Studer C37 ¼ pulgadas, ecualizadas a través de una plataforma de masterización de válvulas construida para los estudios Decca a finales de la década de 1950].

https://www.allmusic.com/artist/tubby-hayes-mn0000842398/biography

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Billy Strange • Secret Agent File

Puede que su nombre suene al de un completo desconocido, pero lo cierto es que ha sido una de las figuras más importantes de la música contemporánea. Guitarrista, compositor, arreglista y productor, Billy Strange escribió grandes clásicos de la música y trabajó para estrellas como Frank y Nancy Sinatra, los Beach Boys, Elvis Presley o Nat King Cole.

Nacido en 1930, Strange empezó en la música a los cinco años, tocando junto a sus padres en una radio de Long Beach (California). Aunque su primer instrumento fue la trompeta, cuando le regalaron una Gibson L-7 su carrera cambió para siempre.

Tras recorrer el suroeste estadounidense en su adolescencia, Billy Strange se instaló en California, donde empezó a tocar y cantar para grupos country del momento, como The Sons of The Pioneers, Roy Rogers o Spade Cooley.

Con el tiempo, se ganó una buena reputación en Los Angeles y comenzó a participar como guitarrista en las sesiones de grabación. Así fue como haría grandes amistades con grupos como los Beach Boys o Jan & Dean, leyendas del surf-rock de la época.

El nombre de Billy Strange figura como coautor, junto a Mac Davis, de A Little Less Conversation de 1968, uno de los clásicos de Elvis Presley, para quien escribió numerosas canciones y con quien tocó en muchas otras.

Su guitarra suena en canciones de Frank Sinatra, Sammy Davis Jr., Wanda Jackson, los Beach Boys y, especialmente, Nancy Sinatra. El tremolo de su guitarra puede escucharse en Bang Bang (My Baby Shot Me Down) y compuso y arregló These Boots Are Made For Walking.

Su relación con los Sinatra fue muy fructífera. Trabajó en la famosa Something Stupid de Frank y a finales de los 60 dirigía la orquesta que Nancy llevaba en sus directos, hasta que en los 70 se instaló en Nashville para hacerse cargo de una empresa de ambos.

En solitario, Billy Strange puso su voz en varias bandas sonoras de programas de televisión y películas de Disney, y lanzó álbumes instrumentales con versiones de grandes éxitos, como You Only Live Twice, de la banda sonora de James Bond.

El trabajo de toda una vida fue reconocido cuando se le introdujo en el Rockabilly Hall of Fame, como merecía uno de los compositores que más han marcado la historia del rock. (europapress.es)

Automatic Translation:

His name may sound like a complete stranger, but the truth is that he has been one of the most important figures in contemporary music. Guitarist, composer, arranger and producer, Billy Strange wrote great music classics and worked for stars like Frank and Nancy Sinatra, the Beach Boys, Elvis Presley and Nat King Cole.

Born in 1930, Strange started in music at the age of five, playing with his parents in a radio station in Long Beach (California). Although his first instrument was the trumpet, when he was given a Gibson L-7 his career changed forever.

After touring the American Southwest as a teenager, Billy Strange settled in California, where he started playing and singing for country groups of the time, such as The Sons of The Pioneers, Roy Rogers or Spade Cooley.

Eventually, he earned a good reputation in Los Angeles and started participating as a guitarist in recording sessions. That's how he would make great friendships with groups like the Beach Boys or Jan & Dean, legends of surf-rock at the time.

Billy Strange's name appears as co-author, with Mac Davis, of A Little Less Conversation from 1968, one of the classics of Elvis Presley, for whom he wrote numerous songs and with whom he played in many others.

His guitar sounds in songs by Frank Sinatra, Sammy Davis Jr., Wanda Jackson, the Beach Boys and especially Nancy Sinatra. His guitar tremolo can be heard in Bang Bang (My Baby Shot Me Down) and he composed and arranged These Boots Are Made For Walking.

His relationship with the Sinatras was very fruitful. He worked in Frank's famous Something Stupid and in the late 60s he conducted Nancy's live band, until in the 70s he moved to Nashville to take over a company from both of them.

As a soloist, Billy Strange put his voice on several soundtracks for television shows and Disney movies, and released instrumental albums with versions of greatest hits, such as You Only Live Twice, from the James Bond soundtrack.

His life's work was recognized when he was inducted into the Rockabilly Hall of Fame, as deserved by one of the most influential songwriters in the history of rock. (europapress.es)

Mundell Lowe • Themes From Mr. Lucky The Untouchables And Other TV Action Jazz

 

 

Born in Laurel, Mississippi, Mundell left home at the age of thirteen. After working in Nashville, he found his way to Bourbon Street in New Orleans and the beginning of his jazz career. While serving in World War Il, he met the influential John Hammond, who introduced him to Ray McKinley. Mundell worked with McKinley’s band for a year and a half, developing his distinctive instrumental style, and then moved on to work in New York at Café Society and stints at the Village Vanguard and The Embers, among others. Mundell worked with Billie Holiday, Lester Young, Charlie Parker, Helen Humes and Charles Mingus, to name but a few. These gigs overlapped with an early morning TV show at NBC with Cy Coleman, “A Date in Manhattan,” and later “The Kate Smith Hour” with Stan Getz, Doc Severinsen, and Kai Winding.

From the early fifties to the mid-Sixties, he was an active performer, working with George Duvivier on bass and Ed Shaughnessy on drums in Dave Garroway’s “Today Show” studio band. He also played with the extraordinary pianist Hank Jones when they both worked in the NBC and CBS orchestras of the early Fifties. After seventeen years at NBC as a guitarist and arranger, Lowe was transferred to the News and Special Events Department to work as a composer.

Mundell moved to Los Angeles, California, Christmas 1965 actually, he left to visit some friends, and never went back to New York! He met Jackie Cooper, then-head of Screen Gems, and began the West Coast phase of his career composing music for some of their television and film properties. Lowe augmented his TV and film work with making his own LPs as well as two successful projects with noted singers Sarah Vaughan (‘After Hours”) and Carmen McRae (‘Bittersweet”).

Even though he had made special appearances with Peggy Lee and the White House, toured Japan with Benny Carter several times, and was a regular performer at the Monterey Jazz Festival, Mundell found he was spending more time writing than playing, which he found frustrating. He made up his mind to turn that around and, during the 1980s, he stepped out of the studio world of film and television and returned to performing, the first love of his long and rich musical career.

Mundell's current schedule is no less active. In the last few years he has traveled the globe as a concert performer, worked the States with his own quintet, and has made several trips to New York to work with Ron Carter, Al Foster, Bill Mays, and Ray Drummond. He tours with the André Previn Trio (composed of Previn, the late Ray Brown, and Lowe), as well as the Great Guitars with the late Charlie Byrd, Herb Ellis, and Tal Farlow. Mundell also has been busy in recording studios lately, having recorded two albums for Telarc with the André Previn Trio, one for Phillips with Kiri Te Kanawa, and two albums for Fresh Sounds with Teté Montoliu.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/mundell-lowe

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Nacido en Laurel, Mississippi, Mundell se fue de casa a los trece años. Después de trabajar en Nashville, encontró el camino hacia la calle Bourbon de Nueva Orleans y el comienzo de su carrera en el mundo del jazz. Mientras servía en la Segunda Guerra Mundial, conoció al influyente John Hammond, que le presentó a Ray McKinley. Mundell trabajó con la banda de McKinley durante un año y medio, desarrollando su distintivo estilo instrumental, y luego pasó a trabajar en Nueva York en el Café Society y a pasar por el Village Vanguard y The Embers, entre otros. Mundell trabajó con Billie Holiday, Lester Young, Charlie Parker, Helen Humes y Charles Mingus, entre otros. Estas actuaciones se solaparon con un programa de televisión matinal en la NBC con Cy Coleman, "A Date in Manhattan", y más tarde con "The Kate Smith Hour" con Stan Getz, Doc Severinsen y Kai Winding.

Desde principios de los cincuenta hasta mediados de los sesenta, fue un intérprete activo, trabajando con George Duvivier al bajo y Ed Shaughnessy a la batería en la banda de estudio del "Today Show" de Dave Garroway. También tocó con el extraordinario pianista Hank Jones cuando ambos trabajaban en las orquestas de la NBC y la CBS a principios de los cincuenta. Tras diecisiete años en la NBC como guitarrista y arreglista, Lowe fue trasladado al Departamento de Noticias y Eventos Especiales para trabajar como compositor.

Mundell se trasladó a Los Ángeles, California, en realidad en la Navidad de 1965, se fue a visitar a unos amigos y nunca volvió a Nueva York. Conoció a Jackie Cooper, entonces jefe de Screen Gems, y comenzó la fase de la Costa Oeste de su carrera componiendo música para algunas de sus propiedades televisivas y cinematográficas. Lowe complementó su trabajo en televisión y cine con la realización de sus propios LPs, así como con dos exitosos proyectos con las conocidas cantantes Sarah Vaughan ("After Hours") y Carmen McRae ("Bittersweet").

Aunque había hecho apariciones especiales con Peggy Lee y la Casa Blanca, había hecho varias giras por Japón con Benny Carter y era un intérprete habitual en el Festival de Jazz de Monterey, Mundell se dio cuenta de que pasaba más tiempo escribiendo que tocando, lo que le resultaba frustrante. Decidió dar un giro a la situación y, durante la década de 1980, abandonó el mundo de los estudios de cine y televisión y volvió a la interpretación, el primer amor de su larga y rica carrera musical.

La agenda actual de Mundell no es menos activa. En los últimos años ha viajado por todo el mundo como concertista, ha trabajado en Estados Unidos con su propio quinteto y ha realizado varios viajes a Nueva York para trabajar con Ron Carter, Al Foster, Bill Mays y Ray Drummond. Realiza giras con el André Previn Trio (compuesto por Previn, el difunto Ray Brown y Lowe), así como con el Great Guitars con el difunto Charlie Byrd, Herb Ellis y Tal Farlow. Mundell también ha estado ocupado en los estudios de grabación últimamente, habiendo grabado dos álbumes para Telarc con el André Previn Trio, uno para Phillips con Kiri Te Kanawa, y dos álbumes para Fresh Sounds con Teté Montoliu.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/mundell-lowe

Kyle Eastwood & Clint Eastwood • Eastwood Symphonic

 

 

"Eastwood Symphonic" is bassist Kyle Eastwood's tribute to his father Clint Eastwood, the actor, director and - musician. It is less known that Clint Eastwood wrote the music for some of his films himself and that his son Kyle assisted him in the composition and arrangements. In addition, themes from other Eastwood films by Lalo Schifrin, Ennio Morricone and John Williams can be heard.

"In the Eastwood family, music is a family affair. My father knows and loves music, especially jazz, and he passed on to me his passion for music and as well as cinema. Throughout his career and in recent years, he and I have composed the music for these films. The idea for Eastwood Symphonic was to reinterpret my father's greatest film scores with a blend of jazz and classical. This is a project that is very close to my heart. I can pay tribute to my father and his film scores as well as many of the brilliant film composers who have contributed to his films over the years. I want to dedicate this album to them and especially to my father, who showed me what dedication, commitment and joy in one's work really is. Thanks, Dad, for the inspiration and all the decades of mind-blowing cinema."
- Kyle Eastwood

The recording, featuring the Kyle Eastwood Quintet and the Czech National Symphony Orchestra under the direction of Grammy Award-winning conductor Gast Waltzing.
https://www.operacd.gr/83013720.en.aspx

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"Eastwood Symphonic" es el tributo del bajista Kyle Eastwood a su padre Clint Eastwood, el actor, director y músico. Es menos conocido que Clint Eastwood escribió él mismo la música de algunas de sus películas y que su hijo Kyle lo ayudó en la composición y los arreglos. Además, se pueden escuchar temas de otras películas de Eastwood de Lalo Schifrin, Ennio Morricone y John Williams.

"En la familia Eastwood, la música es un asunto de familia. Mi padre conoce y ama la música, especialmente el jazz, y me transmitió su pasión por la música y el cine. A lo largo de su carrera y en los últimos años, él y yo hemos compuesto la música para estas películas. La idea de Eastwood Symphonic era reinterpretar las mejores partituras cinematográficas de mi padre con una mezcla de jazz y música clásica. Este es un proyecto que está muy cerca de mi corazón. Puedo rendir homenaje a mi padre y sus bandas sonoras, así como a muchos de los brillantes compositores cinematográficos que han contribuido a sus películas a lo largo de los años. Quiero dedicarles este álbum a ellos y especialmente a mi padre, quien me mostró lo que realmente es la dedicación, el compromiso y la alegría en el trabajo. Gracias, papá, por la inspiración y todas las décadas de cine alucinante."
- Kyle Eastwood

La grabación, con el Quinteto Kyle Eastwood y la Orquesta Sinfónica Nacional Checa bajo la dirección del director Gast Waltzing, ganador del Premio Grammy.
https://www.operacd.gr/83013720.en.aspx


 

 

kyleeastwood.com/symphonic ...

John Barry • The Music Of John Barry

 

Lalo Schifrin • Mannix

Biography
Lalo Schifrin is a true Renaissance man. As a pianist, composer and conductor, he is equally at home conducting a symphony orchestra, performing at an international jazz festival, scoring a film or television show, or creating works for the Los Angeles Chamber Orchestra, the London Philharmonic and even The Sultan of Oman.

As a young man in his native Argentina, Lalo Schifrin received classical training in music, and also studied law. He came from a musical family, and his father, Luis Schifrin, was the concertmaster of the Philharmonic Orchestra of Buenos Aires at the Teatro Colon.

Lalo Schifrin continued his formal music education at the Paris Conservatory during the early 1950’s. Simultaneously, he became a professional jazz pianist, composer and arranger, playing and recording in Europe.

When Schifrin returned to Buenos Aires in the mid 1950’s, he formed his own big concert band. It was during a performance of this band that Dizzy Gillespie heard Schifrin play and asked him to become his pianist and arranger. In 1958, Schifrin moved to the United States and thus began a remarkable career.

His music is a synthesis of traditional and twentieth-century techniques, and his early love for jazz and rhythm are strong attributes of his style. “Invocations,” “Concerto for Double Bass,” “Piano Concertos No. 1 and No. 2,” “Pulsations,” “Tropicos,” “La Nouvelle Orleans,” and “Resonances” are examples of this tendency to juxtapose universal thoughts with a kind of elaborated primitivism. In the classical composition field, Schifrin has more than 60 works.

He has written more than 100 scores for films and television. Among the classic scores are “Mission Impossible,” “Mannix,” “The Fox,” “Cool Hand Luke,” “Bullitt,” “Dirty Harry,” “The Cincinnati Kid,”and “Amityville Horror.” Recent film scores include “Tango,” “Rush Hour,” “Rush Hour 2,” “Bringing Down The House,”, “The Bridge of San Luis Rey,” “After the Sunset,” and “Abominable.”

To date, Lalo Schifrin has won four Grammy Awards (with twenty-one nominations), one Cable ACE Award, and received six Oscar nominations.

In 1987, a select group of some of the best musicians in France decided to form the Paris Philharmonic Orchestra for the purpose of recording music for films, performing concerts and participating in television shows. The appointed Lalo Schifrin as Musical Director and their inaugural concert took place at the Theatre des Champs Elysees on January 26, 1988. His first recording with this orchestra was released on September 1988. Schifrin held this post for five years before resigning to spend more time composing.

Among Schifrin’s other conducting credits are the London Philharmonic Orchestra, the London Symphony Orchestra, the Vienna Symphony Orchestra, the Los Angeles Philharmonic, the Israel Philharmonic, the Mexico Philharmonic, the Houston Symphony Orchestra, the Los Angeles Chamber Orchestra, the Mexico City Philharmonic, the Atlanta Symphony Orchestra, the Orchestra of Saint Luke (New York City), and the National Symphony Orchestra of Argentina.

In 1986, the Glendale Symphony Orchestra, under the baton of Lalo Schifrin, performed at the Hollywood Bowl. His “Salute to the Statue of Liberty” was received with a tumultuous ovation by a crowd of 17,000 people. In 1987, Schifrin was commissioned to write the overture for the Pan American Games which he recorded in Toronto and premiered with the Indianapolis Symphony Orchestra. In 1995, Schifrin composed ad conducted the finale for the Pan American Games, which were held in Argentina.

It is Schifrin’s ability to switch musical gears which makes him so unique in the music world. As a jazz musician he has performed and recorded with great personalities such as Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Stan Getz, and Count Basie.

His “Concerto for Guitar and Orchestra,” was recorded by the London Philharmonic Orchestra featuring soloist Angel Romero. “Dances Concertantes” for clarinet and orchestra which he conducted at the Pyramids of Teotihuacan in Mexico with Placido Domingo as the tenor soloist. The event was telecast in 1989. In 1999, this concert was released on CD, DVD and VHS.

In April, 1989, Lalo Schifrin was appointed Music Director of the Glendale Symphony Orchestra, and he served in that capacity for six years.

He was commissioned to write the Grand Finale for an event which took place in Caracalla, Italy, July 7th, 1990, to celebrate the finals of the World Cup Soccer Championship. In this concert, the Three Tenors, Luciano Pavarotti, Placido Domingo and Jose Carreras sang together for the first time. The orchestras of the Rome and Florence opera companies were conducted by Zubin Mehta. The record and videotape of this event have gone on to become the biggest sellers in the history of classical music. Schifrin also was engaged to arrange the sequels for July 1994, also for Carreras, Domingo, Pavarotti and Zubin Mehta, which was performed at Dodger Stadium, again on the eve of the World Cup Soccer Championships; the Three Tenors event that was held in July of 1998 in Paris, France, and the latest one for the World Cup Finals in Japan.

Schifrin was commissioned by the Steinway Foundation to write his “Piano Concerto No. 2,” which was premiered by the National Symphony Orchestra, conducted by Mstislav Rostropovich, in Washington, D.C. at the Kennedy Center on June 11, 1992, featuring Cristina Ortiz as the soloist. In that year, he also produced, conducted and arranged a CD featuring Jose Carreras with the London Symphony Orchestra: “Friends for Life.”

Among Schifrin’s most recent commissions include “Fantasy for Screenplay and Orchestra” for Daniel Barenboim and the Chicago Symphony, premiered in 2002-2003 season, and Symphonic Impressions of Oman, which was commissioned by the Sultan of Oman, recorded in England with the London Symphony Orchestra, and released by Aleph Records in 2003. His recent key appearances in 2003 include Schifrin with the Georgian State Symphony Orchestra; with The Moscow Symphony Orchestra and with the Orchestre de la Suisse Romande in Geneva, Switzerland.

His longtime involvement in both the jazz and symphonic worlds came together beginning in 1993 when he was featured as pianist and conductor for his on-going series of “Jazz Meets the Symphony” recordings, with the London Philharmonic Orchestra, and such notable jazz stars as Ray Brown, Grady Tate, Jon Faddis, Paquito D’Rivera and James Morrison. “Thinking back, I believe the start of this project was really two of my early film scores, namely, ‘The Cincinnati Kid,’ in which Ray Charles sang backed by a symphony orchestra, and the famous chase scene through the streets of San Francisco in ‘Bullitt’ wherein I wrote a symphonic score combined with saxophone solos playing at very fast tempos.

Then, years later, when I arranged music for Dizzy Gillespie, Ray Brown, Grady Tate and myself to play for a tour with the Israel Philharmonic Orchestra, I began to fully realize that the two distinct musical forms could be combined.” “Jazz Meets the Symphony” was internationally successful, and led to the release in July 1994 of “More Jazz Meets the Symphony.” The third of the series, “Firebird, Jazz Meets the Symphony, No. 3” was released in the summer of 1996 and received two Grammy nominations. The fourth in the series “Metamorphosis,” was released in the spring of 1998 on Schifrin’s own label, Aleph Records. The gift set contains the first four releases so far and is entitled “The Jazz Meets the Symphony Collection.” The fifth in the series, “Intersections, Jazz Meets the Symphony, No. 5” was released in late summer 2001. It is unique in that it has a full symphony orchestra, full jazz band, plus jazz stars Jeff Hamilton, Christian McBride, James Morrison and David Sanchez. Jazz Meets the Symphony No. 6 will be recorded in early 2005.

In November 1992, the Los Angeles Master Chorale premiered his “Cantares Argentinos” in a concert of Latin American music. Also during that month, Schifrin conducted the European premiere of his “Piano Concerto No. 2” with the Sophia Radio Symphony Orchestra. This concert marked the first Bulgarian telecast for the Eurovision Network. The full-length concert is featured in a film score CD “Something to Believe In” with Jeffrey Biegel and the Munich Rundfunk Orchestra.

Schifrin wrote and adapted the music for “Christmas in Vienna” in 1992 featuring Diana Ross, Jose Carreras, and Placido Domingo. The telecast was released as a CD, laserdisc and video in 1993 on the Sony Classics label.

Schifrin returned to Vienna in December 1995 where he arranged the entire program of Christmas music entitled, Christmas in Vienna,” sung by Jose Carreras, Natalie Cole and Placido Domingo. It was shown on PBS in America on December 23rd and 24th of that year and is shown regularly during the holiday season.

In 1993, Schifrin was commissioned to write his “Lili’Uokalani Symphony” in honor of the last monarch of Hawaii, Queen Lili’Uokalani. The work was premiered by the Honolulu Symphony Orchestra, and was recorded by the Vienna Symphony Orchestra with Schifrin conducting in the spring of 1995. It was released in November 1996 on the Urtext Digital Classics label.

In the spring of 1993, Schifrin conducted for a recording with the Vienna Volksoper Orchestra for Julia Migenes, “Julia Migenes in Vienna,” and conducted the recording of “Te Deum” by Charpentier for classical trumpet virtuoso, Maurice Andre and chamber orchestra in Pairs. Both projects were released in October 1993.

His 1996 conducted recording of “The Carnival of the Animals” by Camille Saint-Saens has been acclaimed by the electronic and print media. The narrations are by Audrey Hepburn, Charlton Heston, James Earl Jones, Dudley Moore, Walter Matthau, and Lynn Redgrave.

He also composed the score for Luis Valdez’ epic drama “Bandido!,” presented at the Mark Taper Forum in Los Angeles. The music showed the wide spectrum of Schifrin’s talents as a composer. Valdez contributed lyrics to certain pieces.

The Sultan of Oman commissioned Schifrin for his latest classical work, “Symphonic Sketches of Oman.” This symphony was recorded by the London Symphony Orchestra with Schifrin conducting in the autumn of 2001 and released shortly thereafter.

On December 8th, 1995 in Marseilles, Schifrin led a symphony orchestra in celebration of the Lumiere brothers’ invention of film, with a concert entitled “100 Ans de Cinema.” The concert featured singers Julia Migenes and Dee Dee Bridgewater, which was recorded by Warner Bros. Records in France. This recording, “Film Classics,” is currently in release of Aleph Records. This concert was reprised in Buenos Aires in 1998, and is scheduled for release on CD with Aleph Records in February 2002.

In addition to current commissions and film scoring activities, Schifrin tours extensively conducting symphony orchestras particularly featuring his repertoire of “Jazz Meets the Symphony.”

Other conducting programs include film music, classical repertoire and jazz bands. The big band formations are frequently featured in performing “Gillespiana,” which has become a highly acclaimed classic. Recent performances have been the Playboy Jazz Festival, the Monterey Jazz Festival, the 80th birthday commemorative concert for Dizzy Gillespie in Englewood, New Jersey, television Big Band concert in Germany, WDR Big Band concert in Cologne, Germany; Carnegie Hall Jazz Band at Carnegie Hall, the Clark University Jazz Band in Atlanta at the I.A.J.E. (International Association of Jazz Educa-tors) and a concert in early 1998 with the BBC in London, England.

In October 1996 was the world premiere of “The Rhapsody for Bix.” Schifrin was commissioned by the Bix Beiderbecke Memorial Society to write a suite in honor of Davenport, Iowa’s native son, Bix Beiderbecke. This piece is on Schifrin’s current release “Metamorphosis.”

In June 1999, Schifrin premiered his “Latin Jazz Suite” with soloists Jon Faddis, David Sanchez, Ignacio Berroa, Alex Acuna and the WDR Big Band in Cologne, Germany. It was also performed with the BBC Big Band in London, England. In September 1999, the piece had its American premiere in Los Angeles at the Watercourt Plaza while, at the same time, the recording of the work was released. “Latin Jazz Suite” received a Grammy nomination, and was just released on DVD.

In January 2000, Schifrin premiered a new work for jazz big band, “Esperanto.” This work features soloists Jean-Luc Ponty, Don Byron, Nestor Marconi, James Morrison, Trilok Gurtu, Sydney Thiam, Greg Hutchinson, Simon Stockhausen and the WDR Big Band. “Esperanto” was released on CD in September, 2000.

Lalo Schifrin is a recipient of the 1988 BMI Lifetime Achievement Award. BMI also honored Schifrin in 2001 with a special composer’s award for his original cult classic theme to “Mission Impossible.” He was most recently honored in 2004 by French performing rights organization SACEM, along with the 57th Annual Cannes Film Festival, in recognition of his significant contribution to music, film and culture, and also in 2004 by the American Society of Music Arrangers & Composers (ASMAC) with the 65th Annual Golden Score Award. In 2003 Schifrin was honored by The City of Los

Angeles commemorating his rich body of work over the last several decades. He has received additional commendations in 2003 from the Los Angeles County and the California Legislature, and has been honored by the Israeli government for his “Contributions to World Understanding through Music.” In 1988, Schifrin received a star on the Hollywood Walk of Fame from the Hollywood Chamber of Commerce. He was given Honorary Doctorate Degrees from the Rhode Island School of Design and the University of La Plata, Argentina. He was honored at the M.I.D.E.M. Classique Festival in January, 1990, at Cannes, France, conducting the National Symphony Orchestra of Lyon. He received the “Distinguished Artist Award” in 1998 from the Los Angeles Music Center.

Lalo Schifrin has been appointed “Chevalier de l’Ordre des Arts et Lettres,” one of the highest distinctions granted by Frances’ Minister of Culture, which in this case was Mr. Jack Lang.

In 1998, the Argentine government appointed him Advisor to the President in Cultural Affairs with a rank of Secretary of the Cabinet.

Schifrin has been married to his wife, Donna, for more than 30 years. His three children include William, who is a writer for films and television; Frances, who is an art director/designer; and Ryan, who is a film writer/director.
https://musicians.allaboutjazz.com/laloschifrin

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Biografía
Lalo Schifrin es un verdadero hombre del Renacimiento. Como pianista, compositor y director de orquesta, se siente igual de cómodo dirigiendo una orquesta sinfónica, actuando en un festival internacional de jazz, haciendo música para una película o un programa de televisión, o creando obras para la Orquesta de Cámara de Los Ángeles, la Filarmónica de Londres e incluso para el Sultán de Omán.

De joven en su Argentina natal, Lalo Schifrin recibió formación clásica en música, y también estudió derecho. Provenía de una familia de músicos, y su padre, Luis Schifrin, fue el concertino de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires en el Teatro Colón.

Lalo Schifrin continuó su educación musical formal en el Conservatorio de París a principios de los años 50. Simultáneamente, se convirtió en pianista profesional de jazz, compositor y arreglista, tocando y grabando en Europa.

Cuando Schifrin regresó a Buenos Aires a mediados de los 50, formó su propia gran banda de conciertos. Fue durante una actuación de esta banda que Dizzy Gillespie escuchó a Schifrin tocar y le pidió que se convirtiera en su pianista y arreglista. En 1958, Schifrin se mudó a los Estados Unidos y así comenzó una notable carrera.

Su música es una síntesis de las técnicas tradicionales y del siglo XX, y su temprano amor por el jazz y el ritmo son fuertes atributos de su estilo. "Invocaciones", "Concierto para Contrabajo", "Conciertos para Piano No. 1 y No. 2", "Pulsaciones", "Tropicos", "La Nouvelle Orleans" y "Resonancias" son ejemplos de esta tendencia a yuxtaponer pensamientos universales con una especie de primitivismo elaborado. En el campo de la composición clásica, Schifrin tiene más de 60 obras.

Ha escrito más de 100 partituras para el cine y la televisión. Entre las partituras clásicas se encuentran "Misión imposible", "Mannix", "El zorro", "Cool Hand Luke", "Bullitt", "Harry el sucio", "El chico de Cincinnati" y "El horror de Amityville". Las últimas partituras de la película incluyen "Tango", "Rush Hour", "Rush Hour 2", "Bringing Down The House", "The Bridge of San Luis Rey", "After the Sunset" y "Abominable".

Hasta la fecha, Lalo Schifrin ha ganado cuatro premios Grammy (con veintiún nominaciones), un premio Cable ACE, y ha recibido seis nominaciones al Oscar.

En 1987, un selecto grupo de algunos de los mejores músicos de Francia decidió formar la Orquesta Filarmónica de París con el fin de grabar música para películas, realizar conciertos y participar en programas de televisión. Nombraron a Lalo Schifrin como Director Musical y su concierto inaugural tuvo lugar en el Teatro de los Campos Elíseos el 26 de enero de 1988. Su primera grabación con esta orquesta fue lanzada en septiembre de 1988. Schifrin ocupó este puesto durante cinco años antes de renunciar para dedicar más tiempo a la composición.

Entre los otros créditos de dirección de Schifrin se encuentran la Orquesta Filarmónica de Londres, la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta Sinfónica de Viena, la Filarmónica de Los Ángeles, la Filarmónica de Israel, la Filarmónica de México, la Orquesta Sinfónica de Houston, la Orquesta de Cámara de Los Ángeles, la Filarmónica de la Ciudad de México, la Orquesta Sinfónica de Atlanta, la Orquesta de Saint Luke (Ciudad de Nueva York) y la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina.

En 1986, la Orquesta Sinfónica de Glendale, bajo la dirección de Lalo Schifrin, actuó en el Hollywood Bowl. Su "Saludo a la Estatua de la Libertad" fue recibido con una tumultuosa ovación por una multitud de 17.000 personas. En 1987, Schifrin recibió el encargo de escribir la obertura de los Juegos Panamericanos, que grabó en Toronto y estrenó con la Orquesta Sinfónica de Indianápolis. En 1995, Schifrin compuso y dirigió la final de los Juegos Panamericanos, que se celebraron en Argentina.

Es la capacidad de Schifrin para cambiar de marcha musical lo que lo hace tan único en el mundo de la música. Como músico de jazz ha tocado y grabado con grandes personalidades como Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Stan Getz y Count Basie.

Su "Concierto para Guitarra y Orquesta" fue grabado por la Orquesta Filarmónica de Londres con el solista Angel Romero. "Danzas Concertantes" para clarinete y orquesta que dirigió en las Pirámides de Teotihuacan en México con Plácido Domingo como tenor solista. El evento fue transmitido por televisión en 1989. En 1999, este concierto fue lanzado en CD, DVD y VHS.

En abril de 1989, Lalo Schifrin fue nombrado Director Musical de la Orquesta Sinfónica de Glendale, y sirvió en esa capacidad durante seis años.

Se le encargó escribir la Gran Final para un evento que tuvo lugar en Caracalla, Italia, el 7 de julio de 1990, para celebrar las finales de la Copa Mundial de Fútbol. En este concierto, los Tres Tenores, Luciano Pavarotti, Plácido Domingo y José Carreras cantaron juntos por primera vez. Las orquestas de las compañías de ópera de Roma y Florencia fueron dirigidas por Zubin Mehta. El disco y la cinta de vídeo de este evento se han convertido en los más vendidos en la historia de la música clásica. Schifrin también fue contratado para arreglar las secuelas para julio de 1994, también para Carreras, Domingo, Pavarotti y Zubin Mehta, que se presentó en el Estadio de los Dodgers, de nuevo en la víspera de la Copa Mundial de Fútbol; el evento de los Tres Tenores que se celebró en julio de 1998 en París, Francia, y el último para las finales de la Copa Mundial en Japón.

La Fundación Steinway encargó a Schifrin que escribiera su "Concierto para piano Nº 2", que fue estrenado por la Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por Mstislav Rostropovich, en Washington, D.C. en el Kennedy Center el 11 de junio de 1992, con Cristina Ortiz como solista. En ese año, también produjo, dirigió y arregló un CD de José Carreras con la Orquesta Sinfónica de Londres: "Friends for Life".

Entre los encargos más recientes de Schifrin se encuentran "Fantasía para Guión y Orquesta" para Daniel Barenboim y la Sinfónica de Chicago, estrenada en la temporada 2002-2003, y "Impresiones Sinfónicas de Omán", encargado por el Sultán de Omán, grabado en Inglaterra con la Orquesta Sinfónica de Londres, y lanzado por Aleph Records en 2003. Entre sus últimas apariciones importantes en 2003 figuran Schifrin con la Orquesta Sinfónica Estatal de Georgia; con la Orquesta Sinfónica de Moscú y con la Orquesta de la Suiza Romana en Ginebra (Suiza).

Su larga participación en los mundos del jazz y la sinfonía se unió a partir de 1993, cuando se presentó como pianista y director de la serie de grabaciones "Jazz Meets the Symphony", con la Orquesta Filarmónica de Londres y con estrellas del jazz tan notables como Ray Brown, Grady Tate, Jon Faddis, Paquito D'Rivera y James Morrison. "Pensando en el pasado, creo que el comienzo de este proyecto fue en realidad dos de mis primeras partituras de cine, a saber, 'The Cincinnati Kid', en la que Ray Charles cantó respaldado por una orquesta sinfónica, y la famosa escena de persecución por las calles de San Francisco en 'Bullitt' en la que escribí una partitura sinfónica combinada con solos de saxofón tocando a tempos muy rápidos.

Luego, años más tarde, cuando arreglé la música para Dizzy Gillespie, Ray Brown, Grady Tate y yo para tocar en una gira con la Orquesta Filarmónica de Israel, empecé a darme cuenta de que las dos formas musicales distintas podían combinarse". "Jazz meets the Symphony" tuvo éxito internacional, y llevó al lanzamiento en julio de 1994 de "More Jazz meets the Symphony". El tercero de la serie, "Firebird, Jazz Meets the Symphony, No. 3" fue lanzado en el verano de 1996 y recibió dos nominaciones al Grammy. La cuarta de la serie "Metamorphosis", fue lanzada en la primavera de 1998 en el propio sello de Schifrin, Aleph Records. El set de regalo contiene los primeros cuatro lanzamientos hasta ahora y se titula "El Jazz se encuentra con la colección de la sinfonía". El quinto de la serie, "Intersecciones, el Jazz se encuentra con la Sinfonía, No. 5" fue lanzado a finales del verano de 2001. Es único porque tiene una orquesta sinfónica completa, una banda de jazz completa, además de las estrellas de jazz Jeff Hamilton, Christian McBride, James Morrison y David Sánchez. Jazz Meets the Symphony No. 6 se grabará a principios de 2005.

En noviembre de 1992, la Coral Maestra de Los Ángeles estrenó sus "Cantares Argentinos" en un concierto de música latinoamericana. También durante ese mes, Schifrin dirigió el estreno europeo de su "Concierto para piano Nº 2" con la Orquesta Sinfónica de la Radio Sofía. Este concierto marcó la primera transmisión búlgara para la red de Eurovisión. El concierto completo se presenta en un CD de música de cine "Algo en lo que creer" con Jeffrey Biegel y la Orquesta Rundfunk de Munich.

Schifrin escribió y adaptó la música de "Navidad en Viena" en 1992 con Diana Ross, José Carreras y Plácido Domingo. La transmisión fue lanzada como CD, disco láser y video en 1993 en el sello Sony Classics.

Schifrin regresó a Viena en diciembre de 1995 donde arregló todo el programa de música navideña titulado "Navidad en Viena", cantado por José Carreras, Natalie Cole y Plácido Domingo. Se mostró en PBS en América el 23 y 24 de diciembre de ese año y se muestra regularmente durante la temporada de vacaciones.

En 1993, Schifrin recibió el encargo de escribir su "Sinfonía Lili'Uokalani" en honor al último monarca de Hawaii, la Reina Lili'Uokalani. La obra fue estrenada por la Orquesta Sinfónica de Honolulú y grabada por la Orquesta Sinfónica de Viena con Schifrin dirigiendo en la primavera de 1995. Fue lanzada en noviembre de 1996 en el sello Urtext Digital Classics.

En la primavera de 1993, Schifrin dirigió una grabación con la Orquesta de la Ópera Popular de Viena para Julia Migenes, "Julia Migenes en Viena", y dirigió la grabación de "Te Deum" de Charpentier para el virtuoso de la trompeta clásica, Maurice Andre y la orquesta de cámara en Pares. Ambos proyectos se estrenaron en octubre de 1993.

Su grabación dirigida en 1996 de "El carnaval de los animales" de Camille Saint-Saens ha sido aclamada por los medios de comunicación electrónicos e impresos. Las narraciones son de Audrey Hepburn, Charlton Heston, James Earl Jones, Dudley Moore, Walter Matthau y Lynn Redgrave.

También compuso la partitura del drama épico de Luis Valdez "¡Bandido!", presentado en el Mark Taper Forum de Los Ángeles. La música mostró el amplio espectro de los talentos de Schifrin como compositor. Valdez contribuyó con letras a ciertas piezas.

El Sultán de Omán le encargó a Schifrin su última obra clásica, "Sketches Sinfónicos de Omán". Esta sinfonía fue grabada por la Orquesta Sinfónica de Londres con Schifrin dirigiendo en el otoño de 2001 y fue estrenada poco después.

El 8 de diciembre de 1995 en Marsella, Schifrin dirigió una orquesta sinfónica para celebrar la invención del cine de los hermanos Lumiere, con un concierto titulado "100 Ans de Cinema". El concierto contó con la participación de las cantantes Julia Migenes y Dee Dee Bridgewater, que fue grabado por Warner Bros. Records en Francia. Esta grabación, "Film Classics", se encuentra actualmente en el lanzamiento de Aleph Records. Este concierto se repitió en Buenos Aires en 1998, y está previsto que se publique en CD con Aleph Records en febrero de 2002.

Además de los encargos actuales y las actividades de composición de películas, Schifrin realiza extensas giras dirigiendo orquestas sinfónicas, en particular con su repertorio de "Jazz meets the Symphony".

Otros programas de dirección incluyen música de películas, repertorio clásico y bandas de jazz. Las formaciones de big band se presentan con frecuencia en la interpretación de "Gillespiana", que se ha convertido en un clásico muy aclamado. Las actuaciones recientes han sido el Festival de Jazz de Playboy, el Festival de Jazz de Monterrey, el concierto conmemorativo del 80º aniversario de Dizzy Gillespie en Englewood, Nueva Jersey, el concierto de Big Band de la televisión en Alemania, el concierto de Big Band de la WDR en Colonia, Alemania; la Carnegie Hall Jazz Band en el Carnegie Hall, la Clark University Jazz Band en Atlanta en la I.A.J.E. (Asociación Internacional de Educadores de Jazz) y un concierto a principios de 1998 con la BBC en Londres, Inglaterra.

En octubre de 1996 fue el estreno mundial de "The Rhapsody for Bix". La Sociedad Conmemorativa de Bix Beiderbecke encargó a Schifrin que escribiera una suite en honor de Davenport, el hijo nativo de Iowa, Bix Beiderbecke. Esta pieza es sobre el actual lanzamiento de Schifrin "Metamorfosis".

En junio de 1999, Schifrin estrenó su "Suite de Jazz Latino" con los solistas Jon Faddis, David Sánchez, Ignacio Berroa, Alex Acuña y la WDR Big Band en Colonia, Alemania. También se presentó con la BBC Big Band en Londres, Inglaterra. En septiembre de 1999, la obra se estrenó en Estados Unidos en el Watercourt Plaza, mientras que al mismo tiempo se editó la grabación de la obra. "Latin Jazz Suite" recibió una nominación al Grammy, y acaba de salir en DVD.

En enero de 2000, Schifrin estrenó un nuevo trabajo para la big band de jazz, "Esperanto". Esta obra cuenta con los solistas Jean-Luc Ponty, Don Byron, Nestor Marconi, James Morrison, Trilok Gurtu, Sydney Thiam, Greg Hutchinson, Simon Stockhausen y la WDR Big Band. "Esperanto" fue lanzado en CD en septiembre de 2000.

Lalo Schifrin recibió en 1988 el premio BMI Lifetime Achievement Award. BMI también honró a Schifrin en 2001 con un premio especial de compositor por su tema clásico de culto original para "Misión Imposible". Fue honrado más recientemente en 2004 por la organización francesa de derechos de interpretación SACEM, junto con el 57º Festival de Cine de Cannes, en reconocimiento a su significativa contribución a la música, el cine y la cultura, y también en 2004 por la Sociedad Americana de Arregladores y Compositores de Música (ASMAC) con el 65º Premio Anual de la Partitura de Oro. En 2003 Schifrin fue honrado por la Ciudad de Los

Angeles conmemorando su rico trabajo de las últimas décadas. En 2003 recibió otras distinciones del condado de Los Ángeles y de la legislatura de California, y ha sido honrado por el gobierno israelí por su "Contribución al entendimiento mundial a través de la música". En 1988, Schifrin recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood de la Cámara de Comercio de Hollywood. Recibió el título de Doctor Honoris Causa de la Escuela de Diseño de Rhode Island y de la Universidad de La Plata, Argentina. Fue honrado en el Festival M.I.D.E.M. Classique en enero de 1990, en Cannes, Francia, dirigiendo la Orquesta Sinfónica Nacional de Lyon. Recibió el "Distinguished Artist Award" en 1998 del Centro de Música de Los Ángeles.

Lalo Schifrin ha sido nombrado "Chevalier de l'Ordre des Arts et Lettres", una de las más altas distinciones otorgadas por el Ministro de Cultura de Francia, que en este caso fue el Sr. Jack Lang.

En 1998, el gobierno argentino lo nombró Asesor del Presidente en Asuntos Culturales con rango de Secretario del Gabinete.

Schifrin ha estado casado con su esposa, Donna, por más de 30 años. Entre sus tres hijos se encuentran William, que es escritor de cine y televisión; Frances, que es directora de arte/diseñadora; y Ryan, que es escritor/director de cine.
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